Darstellende Kunst

This book has been considered by academicians and scholars of great significance and value to literature. This forms a part of the knowledge base for future generations. So that the book is never forgotten we have represented this book in a print format as the same form as it was originally first published. Hence any marks or annotations seen are left intentionally to preserve its true nature.

This book has been considered by academicians and scholars of great significance and value to literature. This forms a part of the knowledge base for future generations. So that the book is never forgotten we have represented this book in a print format as the same form as it was originally first published. Hence any marks or annotations seen are left intentionally to preserve its true nature.

The chapters collected in this volume shed light on the areas of interaction between film studies and heavy metal research, exploring how the audio-visual medium of film relates to, builds on, and shapes metal culture. At one end of the spectrum, metal music serves as a form of ambient background in horror films that create an intense and somewhat threatening atmosphere; at the other end, the high level of performativity attached to the metal spectacle is emphasized. Alongside these tendencies, the recent and ongoing wave of metal documentaries has taken off, relying on either satire or hagiography.

Portrayals of teachers in stage plays and films abound. This edited anthology brings together scholars in education to seriously reflect upon portrayals of teachers and teaching in theatre and film.

Exploring one of the most integral elements of the cinematic experience-music-the essays in this volume consider the numerous ways in which post-war European cinema dealt with memory, trauma and nostalgia, showing how the music of these films shaped the representation of the past.

The digital media environment with its multiplicity of platforms and new modes of content production, distribution and access has challenged the traditional model of public service broadcasting (PSB). This book explores whether and how PSB should adapt to reflect the conditions of the digital media environment, so that it can effectively and efficiently continue to serve its public mandate in an environment of technological complexity and change. It advances a future¿oriented model of Public Service Media, which is capable of matching an environment of governance and technological complexity and fluidity and which is not bound to certain national specificities.

'Sites of Performance: Of Time and Memory' focuses on the impact of time and memory as they intersect and constitute the varied spaces of theatre, performance and installation art.

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This book is the first to deal with the world composition of television ratings. It focuses on the peoplemeter, a 25 year old technology which succeeds in homogenizing very different populations and television practices. It provides a fascinating account of the production of figures on which the whole world of popular culture depends.

Exploring the interfaces between healing and performance in early modern Europe, this study focuses on three physicians, the Swiss Platter brothers and their Austrian colleague Guarinonius. Providing the first English language assessment of their substantial theatrical writings, the volume contextualizes these within an overview of the three physicians' medical practice, careers and publications, and of the role of performance in the early modern healthcare economy. Substantial translations of key passages from these physicians' writings, are considered in the light of a wide selection of early modern images and texts relating to healers and performers, many previously disregarded in this context. This allows the volume to locate these theatrical writings in their rightful place in the mainstream of medical and theatre history, thus broadening our knowledge of the interface between healing and performance.

An introduction to jazz and how to listen to it Written by active jazz musician and jazz historian Mark Gridley, the Concise Guide to Jazz was created in response to students and professors asking for a clear and accurate introductory jazz text. This brief text examines how jazz originated, how it is made, what to listen for, and the major style eras. By focusing on just over fifty historical figures, Concise Guide to Jazz, seventh edition allows students to understand a broad range of jazz styles without feeling overloaded. Concise Guide to Jazz focuses on the diversity of jazz styles and serves as a basis for further jazz exploration. This text is available in a variety of formats -- digital and print. Pearson offers its titles on the devices students love through CourseSmart, Amazon, and more. To learn more about our programs, pricing options and customization, click the Choices tab. Learning Goals Upon completing this book, readers will be able to: - Begin to appreciate how jazz is made - Know how to extract the most depth of experience from listening to jazz - Know who the most historically significant jazz musicians are - Know why each significant musician is important - Distinguish the main style eras This Book a la Carte Edition is an unbound, three-hole punched, loose-leaf version of the textbook and provides students the opportunity to personalized their book by incorporating their own notes and taking the portion of the book they need to class - all at a fraction of the bound book price.

Diplomarbeit aus dem Jahr 1996 im Fachbereich Pädagogik - Schulpädagogik, Note: 1, Universität Bielefeld, Sprache: Deutsch, Abstract: Musik nimmt in unserer Gesellschaft einen immer größeren Stellenwert ein, begleitet uns im Alltag, beim Einkaufen, bei der Arbeit und in der Freizeit zur Entspannung oder als Unterhaltung. Musik hört jedeR, egal welchen Alters, welchen Geschlechts welcher Schicht oder Kultur und jedeR einzelne nutzt sie für seine und ihre Zwecke. Gleichzeitig hat Musik aber auch etwas Verbindendes, Gemeinschaftsstiftendes, Kommunikatives.Orientiert man sich an dem geflügelten Wort, daß Musik die Sprache der Welt ist, stellt sich die Frage, wie denn diese Sprache funktioniert, wie man mit ihr kommuniziert und welche Voraussetzungen zum Verstehen nötig sind. Ich möchte dem Geheimnis von Musik ein wenig auf die Spur kommen, indem ich mich mit ihrer Bedeutung und Wirkungsweise auseinandersetze.Dabei setze ich nicht bei konkreten pädagogischen oder therapeutischen Situationen an, in denen Musik bereits funktionalisiert ist, sondern bei grundlegenden Überlegungen.Mich interessiert, welche individuellen Voraussetzungen man zur Musikwahrnehmung braucht, wie Menschen mit Musik umgehen und zu welchem Zweck sie Musik nutzen. Gleichzeitig interessiert mich, ob Musik überhaupt ein geeignetes Mittel ist, um es für spezifische Zwecke, mit festem, vorhersehbarem Ziel zu verwenden.

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This collection charts three projects by performance-makers who generate autobiographical writing by taking walks. It includes performance texts and photographs, as well as essays by the artists that discuss processes of development, writing and performance.The Crab Walks and Crab Steps Aside are performances made by Phil Smith based on an initial exploratory walking of an area of South Devon where he was taken for childhood holidays and then on to Munich, Herm and San Gimignano. Both shows were accompanied by the distribution of maps seeking to provoke the audience to make their own exploratory walks. Mourning Walk is a performance that relates to a walk Carl Lavery made to mark the anniversary of his father's death. Lavery shows how a secret can be both shared and hidden through the act of communication as he explores "an ethics of autobiographical performance". In Tree, the result of a multi-disciplinary collaborative process, Dee Heddon occupies a single square foot of soil, and discovers that by standing stationary and looking closely she can travel across continents and centuries, making unexpected connections through an extroverted autobiographical practice.The work of all three artists, taken together and separately, raises important issues about memory, ritual, life writing, textuality, subjectivity, and site in performance.

Studienarbeit aus dem Jahr 1996 im Fachbereich Amerikanistik - Kultur und Landeskunde, Note: 1,7, Universität Paderborn, Veranstaltung: Understanding American Culture, Sprache: Deutsch, Abstract: Wenn man über amerikanische Kultur spricht, kommt man eigentlich gar nicht umhin, an das amerikanische Musical zu denken. Musikwissenschaftler sind sich einig, daß das Musical eine Form der Unterhaltung ist, wie sie nur in Amerika entstehen konnte und empfinden das Musical sozusagen als ur-amerikanisch. Dies bezieht sich einerseits auf den Entstehungsort, den Broadway in New York, und andererseits auf die Wesensart des Musicals an sich. Im "Schmelziegel" Amerika haben sich von je her die verschiedensten Kulturen vermischt. Im kulturellen Bereich, gerade auch im Bereich der Musik, hat diese Verschmelzung stets zu neuen Gattungen geführt. Auch das Musical ist ein Produkt unterschiedlichster musikalischer Einflüsse. So wird im Einzelnen auf die Balladenoper, die Burleske, die Extravaganza, die Minstrel-Show, das Vaudeville, die Revue, die Operette und den Jazz eingegangen werden, um die Ursprünge des "verschmolzenen Produkts", des Musicals, zu erläutern. Das "Frontier Heritage" wie auch die protestantische Arbeitsethik, der "American Dream", bilden den Rahmen zum Verständnis dieser neuen Gattung.

Friedrich Schleiermacher, seit 1809 reformierter Prediger an der Berliner Dreifaltigkeitskirche, hat von 1812 an bis 1828 für jeden seiner Hauptgottesdienste ein eigenes Liederblatt drucken lassen. Aber warum? Waren diese Liederblätter nur kulturelle Standesmerkmale oder Vorarbeiten für das neue Gesangbuch oder doch Dokumente durchkomponierter Gottesdienste? Zur Beantwortung dieser Frage müssen die Liederblätter systematisch untersucht werden. Im Rahmen dieser Edition wird hier erstmals ein ganzer Zyklus vorgelegt und kommentiert, wobei es sich bei dem Jahrgang 1817 um den ersten datierten Jahrgang handelt, der zugleich mit 31 Liederblättern vollständig erhalten ist. Der Verfasser verfährt so, dass jedes einzelne Liederblatt transkribiert, ediert und kommentiert wird, indem die einzelnen Lieder auf ihre Liedverfasser und -bearbeiter, auf ihre Gesangbuchquellen sowie auf textliche Abweichungen hin untersucht werden. Besonderes Augenmerk wird auch auf die Erschließung der Kirchenmusikstücke in den Festgottesdiensten gerichtet. Soweit eine Predigtnachschrift vorhanden ist, wird diese vorgestellt und analysiert. Schließlich wird in einem kurzen Fazit versucht, der Idee des Liederblattes mittels der vorhandenen Texte auf die Spur zu kommen.

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Diplomarbeit aus dem Jahr 2004 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,0, Universität Münster (Musikhochschule Münster), Sprache: Deutsch, Abstract: Warum schreibt man eine Diplomarbeit über Gustav Mahler?Es ist erst ein paar Jahre her, dass ich mit diesem Komponisten und dadurch unweigerlich auch mit dem Menschen Gustav Mahler in Berührung kam. Von Anfang an übte dieser Musiker eine Anziehungskraft auf mich aus, die ich in einem solchen Maße vorher nicht kannte. Die Musik erschien - und erscheint - mir wie ein Buch mit sieben Siegeln, und ich versuchte, mehr über Mahler zu erfahren, indem ich über ihn zu lesen begann und natürlich vor allem seine Musik hörte. Dann bekam ich die Chance, bei gleich zwei verschiedenen Orchesterprojekten seine Musik zu spielen, und zwar beide Male die I. Symphonie. Die damit verbundenen musikalischen Erlebnisse und 'Empfindungserfahrungen' ließen mich endgültig zu einem Verehrer dieses Künstlers werden, und ich versuchte, mehr von seiner Musik verstehen zu lernen.Von meinen eigenen Erfahrungen abgesehen bin ich aber immer wieder auf Menschen - seien es professionelle Musiker oder nicht - gestoßen, die mit der Musik Mahlers nichts anfangen konnten, sie zwar als gewaltig beschrieben, aber keinen wirklichen Zugang zu ihr fanden. Wenn man nun die Musikwissenschaft betrachtet, fällt auf, dass sich mehr Menschen über Mahler den Kopf zerbrochen haben als über andere Komponisten. Gerade die Tatsache, dass es schwerfällt, die Musik zu verstehen und die Unbequemlichkeit zu überwinden, die diese gelegentlich aufweist, lädt viele Theoretiker dazu ein, Erklärungen liefern zu wollen und die Musik durch eventuelle Quellen und Hintergründe zu erläutern.Mahler hat sich selbst in ausführlicher Weise zu seinen eigenen Werken geäußert, so dass man auf einen Fundus zurückgreifen und daraus Schlüsse ziehen kann, wobei man davon ausgehen muss, dass die Meinungen und Deutungen von den verschiedenen Menschen von der jeweiligen subjektiven Sichtweise geprägt sind. Mir geht es darum, dass die Hürde, die man nehmen muss, um der Musik Mahlers näher zu kommen, nicht mehr als solche erscheint, weil man auf Hintergrundinformationen einiger Menschen - Musikwissenschaftler, Freunde Mahlers und ihn selbst - aufbauen kann. Vor allem möchte ich darauf hinweisen, dass es - trotz aller Theorie - auch in dieser Arbeit, die keine einzige Note enthält, um Mahlers Musik geht, und darum, dass diese Musik meiner Meinung nach mitunter durch Wissenschaft verständlicher wird.

Diplomarbeit aus dem Jahr 2007 im Fachbereich Medien / Kommunikation - Medienökonomie, -management, Note: 1,6, Ruhr-Universität Bochum (Fakultät für Wirtschaftswissenschaft), Sprache: Deutsch, Abstract: Die vorliegende Arbeit identifiziert und analysiert den Künstler als Unternehmer auf Basis der sich unter dem Dach der Marktprozesstheorie befindlichen Ansätze von Schumpeter, Mises, Kirzner und der "Competence-based Theory of the Firm" (CbTF) in einem von hoher Dynamik geprägten Umfeld der Musikbranche und betrachtet speziell die Kooperation als mögliche Strategie zur Sicherung der aktuellen und zukünftigen Wettbewerbsfähigkeit des Künstlers als Unternehmer.Es wird zunächst ein differenzierteres Bild des Künstlers gegeben und die Bedeutung der Musikmarke als Marktwert herausgestellt. Daraufhin wird das traditionelle Umfeld der von physischer Distribution geprägten Musikindustrie aufgezeigt und die Position des Künstlers innerhalb der Wertschöpfungskette bestimmt. Es wird beschrieben, wie die oligopolistische Marktmacht der sogenannten "Majors", der vier großen Tonträgerunternehmen, durch die Digitalisierung und Vernetzung geschwächt wird und Markteintrittsbarrieren gesunken sind. Im digitalen Musikmarkt bieten sich Möglichkeiten für Künstler wie auch für branchenfremde Akteure eine (Dis-)/(Re-)Intermediation zu vollziehen. Anhand eines Fallbeispiels der allein durch Downloads in den britischen Charts erfolgreichen Band Koopa wird diese Chance anschließend verdeutlicht. Es zeigen sich viele Künstler als Unternehmer und einige Stars verfügen über sehr ausgeprägte unternehmerische Fähigkeiten, die in dieser Arbeit detailliert herausgestellt werden. Im Anschluss werden Kooperationen vor theoretischem Hintergrund genauer untersucht und ihre Eignung als Mittel zur Schließung von Ressourcen- und Kompetenzlücken und zur Wahrung der Flexibilität im Hinblick auf zukünftige Marktlagen betont. Dies wird anhand der Fallbeispiele Last.fm für die Vermarktung, SNOCAP für die Distribution und MySpace für die Gewinnung möglicher zukünftiger Kooperationspartner von Künstlern als Unternehmer mit praktischem Bezug herausgestellt. Zum Abschluss folgt eine kurze Darstellung zwei weiterer möglicher Kooperationsmotive mit Vorschlägen zu ihrer Lösung.

inkl. Materialien (Texte, Spiele, Musik, Videos, Musical) auf CD-ROM. CD-ROM